Fagråd på Litteratur og Moderne Kultur – Side 6

MARIA TORP / THE RIDDLE / 03.10.2014

Maria Torp, The Verger, Courtesy Galleri Christoffer Egelund — MARIA TORP, The Verge, oil on canvas 60×45

[DK]

MARIA TORP: THE RIDDLE / 03.10 – 01.11 2014

Galleri Christoffer Egelund er stolt af at kunne præsentere udstillingen The Riddle af den talentfulde, danske kunstner Maria Torp. The Riddle er hendes tredje soloudstilling i galleriet.

Gådefulde blikke og fortællende ansigter rækker ud mod bekueren fra Maria Torp udtryksfulde skildringer af liv in medias res. Hun skaber betagende, minutiøse portrætbilleder af mere eller mindre fiktive karakterer, hvor hvert et hårstrå, hver en blodsprængning, er omhyggeligt beskrevet med penslen.

Maria Torp arbejder ud fra den kunstneriske stilart fotorealisme, der vandt frem i 1960’ernes og 70’ernes USA som en udstikker af Pop Art. Men hendes arbejdsmetode bringer genren ad nye veje. Maleriernes fotografiske forlæg iscenesættes ud fra løsslupne, idégenererende tegninger, der er første trin i Torps arbejdsproces, hvorved hun indlægger et fabulerende element i fotografiets (formodede) nøgterne virkelighedsgengivelse. Torps tegninger er kendetegnede ved en langt større grad af abstrakion: ideerne tager forsigtigt form i det sorte blæk.

I værket The Verge ser vi en kvindes ansigt i profil, der konfronterer beskueren med et hårdt, penetrerende blik. Farverne i baggrunden virker formildende på hendes ellers hårde fremtoning, og foreslår en mere nuanceret læsning af den portrætterede Værket Restless skildrer en rygvendt kvinde, et velkendt motiv i kunsthistorien særligt kendt fra den tyske romantiske maler Caspar David Friedrich. Hovedpersonen i Torps maleri mimer Friedrichs Frau am Fenster (1822), når hun læner sig frem mod det oplyste vindue. Hvad hun ser derude ligger hen i det uvisse – måske en anden tilværelse eller en håbefuld fremtid? Værket fremviser en udlængsel fra en lejlighed, der er beskidt, vandskadet og kold. Værkets umiddelbare ro skjuler over et uroligt indre.

Maria Torp holder sig ikke slavisk til fotorealismens begrænsninger som virkelighedsskildrende genre. I en serie værker danner aflagte stykker pap fra gamle papkasser lærred for de fotorealistiske portrætter. I et af papværkerne synes en forhutlet, slidt kvinde at føje sig perfekt ind i pappets rå fremtoning. Her og der ser man et håndtag, og kunstnerens udskæringer i pappet bliver en del af det malede billede, når fx det øverste lag er skrællet af pappet for at danne striber i en bluse, eller når bølgepappet står frem som en del af ansigtet. Således fremviser malerierne deres konstruktion og bryder med den illusionisme og strenge finish, der ellers er kendetegnende for fotorealismen.

Farvebrugen er tiltider rå og overbevisende virkelighedsnær og i andre værker holdt i næsten overvirkeligt glossede pasteltoner. Torps fotorealistiske malerier lægger op til nysgerrig søgen efter et menneskets identitet ud fra den fysiske fremtoning, ikke mindst ansigtets. Torp inviterer os til at forsøge at løse gåden: hvem er dette menneske foran mig?

Maria Torp (f. 1975) bor og arbejder i København. Hun tog afgang fra det Kongelige Danske Kunstakademi i 2007 og har tidligere studeret ved London College of Printing. Hun har deltaget i flere gruppeudstillinger på gallerier, museer, kunsthaller, kunstmesser national og international og er netop udstillingsaktuelt på gruppeudstillingen “10.000 timer – hvad er talent ?” på Trapholt. Derudover har hun lavet udsmykningsopgaver til bl.a. FTF, Ferring, Velux Fonden og TrygVesta og udgør ligeledes en tredjedel af kunstnertrioen MAM sammen med kunstnerne Anika Lori og Mette Geisler.

Galleri Christoffer Egelund inviterer dig til fernisering på Maria Torp: The Riddle fredag den 3. oktober kl. 17-20. Kunstneren vil være til stede ved åbningen. Udstillingen vises frem til den 1. november 2014. Åbningstider: mandag-fredag kl. 11-18, lørdag kl. 12-16. For yderligere informationer om udstillingen samt pressefotos, kontakt venligst galleriet på: info@nullegelund.dk eller på +45 33 93 92 00.

[UK]

MARIA TORP: THE RIDDLE / 03.10 – 01.11 2014

Galleri Christoffer Egelund proudly presents the third solo exhibition with the talented Danish artist Maria Torp: The Riddle.

Mysterious stares and tell-tale faces confronts the viewer of Maria Torps photorealistic portrayals of lives in medias res. She creates fascinating, minute portraits of more og less fictive characters, with every strand of hair, every imperfection meticulously accentuated.

Maria Torp works in the tradition of the art form photorealism that gained ground in the USA of the 1960s and 70s as an offshot of Pop Art. But her working method takes the art form in new directions. The photographs, from which the pieces are painted, are staged on the basis of unrestained, idea generating drawings which forms the first step of the artist’s triadic working proces. This proces ensures the paintings a dreamlike element unfamiliar to the photograph’s (assumed) objective description of reality. Torp’s drawings are characterised by greater abstraction: the artistic ideas are formed in the black ink.

In the piece The Verge a woman’s face is seen in profile, confronting the viewer with a firm, penetrating gaze. The colours of the background seems to appease her tough appearance and suggest the possibility of a softer side to the woman portrayed. The artwork Restless depicts a woman with her back to the viewer, a motif not unfamiliar to the history of art, especially associated with the German romantic artist Caspar David Friedrich. The protagonist of Torp’s painting mimics Friedrich’s Frau am Fenster (1822) when she leans towards the illuminated window. What she sees out there remains uncertain – perhaps a different way of life or a dream of a hopeful future? The piece presents a longing to go abroad and away from an appartment that seems dirty, water damaged and cold. The tranquility of the scene conceals an inner restlessness.

Maria Torp does not slavishly follow the limits of photorealism as a reality depicting genre. In a series of artworks she uses cast-off pieces of cardboard boxes as canvases for her photorealistic portraits. One of the pieces shows a ragged woman who seems to fit in perfectly with the raw look of the cardboard. Here and there handles show in the cardboard canvases, and the artist’s carvings in the cardboard becomes part of the motifs as patterns of a shirt or as part of a face. In this way the paintings demonstrates their construction and breaks the illusionism and strict finish normally associated with photorealism.

The colours in the art of Maria Torp are some times rough and convincingly realistic and at other times almost more real than reality with their glossy notes of pastel. They are appeasing to the eye. But the artworks of Torp are so much more than that. The pieces prepare the ground for inquisitive search for a person’s identity or story in the physical appearance, especially that of the face. Torp invites us to try and solve the riddle: who is this person in front of me?

Maria Torp (1975) lives and works in Copenhagen, Danmark. She graduated from the Royal Danish Academy of Fine Arts in 2007 and has previously studied at the London College of Printing. Torp has exhibited her works in several galleries, museums, art institutions, art fairs national and internationel and are currently a part of the group exhibition “10.000 Hours – What is Talent?” at Tropholt Modern Museum of Art. Furthermore she has made commissioned work for corporations such as FTF, Tryg, Ferring and at the Velux Foundation and is co-founder of the artist trio MAM, with the artists Anika Lori and Mette Geisler.

Galleri Christoffer Egelund cordially invites you to the opening of Maria Torp: The Riddle on Friday the 3rd of October from 17-20. The exhibition will run until November the 1st, 2014. Opening hours: Monday – Friday from 11-18, Saturdays from 12-16. For further information and press photographs, please contact the gallery at: info@nullchristofferegelund.dk or at +45 33 93 92 00.

Brun Mands Byrde

BASERET PÅ HASSAN PREISLERS SUCCESROMAN

Sted SORT/HVID
11.10.2014 – 08.11.2014
TIRSDAG-FREDAG kl. 20.00 LØRDAG kl. 17.00
Sprog DANSK
BILLETTER

Forfatteren og skuespilleren Hassan Preisler bragede sidste år igennem med sin rablende, fandenivoldske og kontroversielle samfundssatire. Nu opføres forestillingen BRUN MANDS BYRDE baseret på Hassan Preislers succesroman af samme titel. Det er politisk ukorrekt teater til tiden – med forfatteren selv i hovedrollen. Mød Hassan Preisler i rollen som Hassan Preisler!

”Jeg skammer mig. Jeg skammer mig over, at jeg ikke kan skrive digte, spille teater. Jeg skammer mig over, at jeg ikke kan få en filmrolle. Jeg skammer mig over min brune hud, mit navn og lugten af karry og hvidløg. Jeg skammer mig over min lasede frakke, min hullede jakke, mine tynde ben, mit underbid, mine rynker, min vom, mit hulbryst, mine grå hår, mine vigende tindinger, min lille pik.”

Arje GRIEGST estate

Danish designer Arje Griegst’s family in regards to the establishment of his estate.

We look for for a curious, brilliant and dedicated student who could be interested in a internship, helping cataloguing off all of Arje Griegst’s work (drawings, jewelry, porcelain, silverware) www.griegstjewelry.com\

The material available is very interesting and has a certain value within the Danish history of art and crafts. Most of it hasn’t been touched for a long time and has never been systematically indexed.

Tasks include research and cataloguing the documentation, and other related material of Griegst’s Estate

This might be an interesting area of research for a student who is interested in a research internship – are you the right person to carry out this task?

LOUISE HINDSGAVL | MEDIOCRITY IS NO CRIME | MARCH 28 FROM 5-8 @ CHRISTOFFER EGELUND | FREE BEERS KINDLY SPONSORED BY K1664 ;o)

Louise Hindsgavl from Artist Video Branding Copenhagen based ceramic artist Louise Hindsgavl talks about her fascination of the absurd and the need to reboot her artistic approach. Courtesy Galleri Christoffer Egelund — Louise Hindsgavl
from Artist Video Branding
Copenhagen based ceramic artist Louise Hindsgavl talks about her fascination of the absurd and the need to reboot her artistic approach.
Courtesy Galleri Christoffer Egelund

[DK]

FERNISERING FREDAG DEN 28. MARTS FRA KL. 17-20

LOUISE HINDSGAVL (DK) / MEDIOCRITY IS NO CRIME / 28.03.-19.04.2014

Galleri Christoffer Egelund er stolt af at kunne præsentere den tredje soloudstilling af den danske keramikkunstner Louise Hindsgavl (f. 1973) under titlen Mediocity Is No Crime.

Fra sikker afstand ser det ganske uskyldigt ud. Men træder man tættere på Louise Hindsgavls porcelænsfigurationer, får man sig en uventet og til tider ubehagelig overraskelse. Hvor man med porcelænsmaterialets bagage forventer friske hyrdedrenge og lyshårede skønjomfruer, får man i stedet sammenstykkede skabninger, der for længst har mistet deres uskyld. En storvommet mand med hesteben udfører et kirurgisk indgreb på en fasttømret engel, en godmodig malkeko udfører intimkirurgi på sig selv og abstrakte elementer smelter sammen med de deforme væsener. Hindsgavls arbejde har været banebrydende inden for det kunstneriske arbejde med porcelænet, og flere kunstnere er siden fulgt efter i udviklingen af en ny figurativ porcelænskunst. Louise Hindsgavl flytter på underfundig vis porcelænsfiguren ud af den utopiske glansbillede-idyl, den normalt hviler i, og får den til at forholde sig til den virkelige verden.

På udstillingen Mediocrity is no crime præsenterer Louise Hindsgavl os for to nye værkserier herunder en serie af “hvide værker”, der lægger sig i forlængelse af kunstnerens tidligere arbejde. I værket Quiet Please møder vi en desperat dådyrmor med bjørnehoved, der er ved at klippe snuden af sit kid. Frustration og afmagt har drevet hende til dette kontroltab, hvilket understreges ved, at skulpturen er vendt på hovedet. Et andet sted i galleriet hænger en menneskeligenende karrekter, der er i færd med at skære næsen af sig selv i jagten på den ideelle skønhed.

Abstraktionen har en fremtrædende plads i Louise Hindsgavls nye arbejde, og abstrakte elementer angriber figurerne og fremviser transformationen, det ubegribelige og det usagte. I serien Sketch for a Larger Life fører Louise Hindsgavl abstraktionen skridtet videre. I de noget mindre og ganske farverige værker findes reminiscenser fra Hindsgavls figurative univers, fx træet, men ellers er det abstraktionen, der har fået overtaget. Figurerne står som abstrakte fortællinger, der tillader kunstneren at bearbejde det udefinerbare og samtidig åbne op for fortolkningsmulighederne. Med serien genindfører hun et element af leg og frihed i sin praksis, og stiller sig selv spørgsmålet: hvor perfekt skal det egentlig være?

Louise Hindsgavl kommenterer med udstillingen vores evige higen efter perfektionen. Hvad enten det drejer sig om børneopdragelse, arbejdsliv eller udseende skal alt helst være gjort 120 procent. Men en sådan bestræbelse har konsekvenser; vi går ned med stress, bliver depressive og tyndslidte. Den blanke, rene porcelæn symboliserer på fineste vis den finpudsede facade, vi forsøger at opretholde overfor omverdenen. Men kommer man tættere på og kradser en smule i glasuren, finder man hurtigt frem til det kaos, den usikkerhed og de undertrykte længsler, som hersker bag facaden.

Louise Hindsgavl er uddannet ved Designskolen i Kolding ved Linien for Keramik og Glas (1994-1999). Hun har siden sin afgang ved Designskolen udstillet i Norden, Europa, USA og Asien. Hun er repræsenteret i væsentlige samlinger nationalt og internationalt herunder Minneapolis Institute of Art, Minneapolis, USA; MAD, Museum of Art and Design, New York, USA; Nationalmuseum Stockholm, Sverige; Victoria and Albert Museum London, UK; Designmuseum Danmark; Trapholt, Danmark og ASU Art Museum, Arizona, USA. Hun er blandt andet blevet tildelt Statens Kunstfonds 3-årige Arbejdsstipendium (2010), Silkeborg Kunstnerlegat (2010), Statens Kunstfonds Arbejdslegat (2008, 2006, 2004) og Biennaleprisen, Biennalen for Kunsthåndværk og Design (2004).

Galleri Christoffer Egelund inviterer dig til fernisering på udstillingen Mediocrity Is No Crime fredag den 28. Marts i tidsrummet 17-20. Ved ferniseringen vil kunstneren være til stede. Udstillingen løber frem til den 19. april 2014. Åbningstider: mandag–fredag 11-18, lørdage fra 12-16. For mere information og pressefotografier, kontakt venligst galleriet på: info@nullchristofferegelund.dk eller på +45 33 93 92 00. For at se de udstillede værker klik her

[UK]

OPENING RECEPTION FRIDAY MARCH 28 FROM 5 TO 8

LOUISE HINDSGAVL / MEDIOCRITY IS NO CRIME / 28.03.-19.04.2014

Galleri Christoffer Egelund proudly presents the third solo exhibition by the Danish ceramic artist Louise Hindsgavl (b. 1973) entitled Mediocrity Is No Crime.

From a safe distance it looks quite innocent. But take a step closer to the porcelain figurations of Louise Hindsgavl, and you will have an unexpected, and sometimes unpleasant, surprise. Where you would expect cheerful shepherd boys and fair maidens you get complex creatures that lost their innocence long ago. A man with a full-grown paunch and legs of a horse is tearing open the back of an angel rendered helpless by a huge nail through its wings, a milking cow is performing intimate surgery on herself and abstract elements are melting into the deformed beings. Louise Hindsgavl has uncovered new territories within the field of porcelain art where others have since followed. Hindsgavl removes the porcelain figure from the utopian world where it normally resides and makes it take a position in the real world, a place not always so picture perfect.

At the exhibition Mediocrity is no crime Louise Hindsgavl presents two new series including a series of “white pieces” in continuation of the earlier work of the artist. In the sculpture Quiet Please we come across a frustrated doe whose head is that of a bear. She is just about to cut of the nose of her own fawn. Desperation and powerlessness has driven her to this loss of control which is highlighted by the fact that the piece is turned upside down. Another piece at the exhibition shows a human figurine who is on the point of cutting of his own nose for the sake of ideal beauty.

Abstraction occupies a prominent place in the new work of Louise Hindsgavl, and abstract elements seem to attack the figures and show the incomprehensible and the unsaid. In the series Sketch for a Larger Life Hindsgavl takes the abstraction to the next level. In these somewhat smaller and more colorful porcelain pieces it is possible to find reminiscences of the figurative universe of Hindsgavl, e.g. the tree, but other than that abstraction has taken over. The abstract narratives allow the artist to deal with the indefinable and at the same time open her artworks up to interpretation. With this series she reintroduces an element of play and freedom into her praxis, and raises the question: how perfect does it have to be?

With this exhibition, Louise Hindsgavl comments on our eternal search for perfection. Whether it concerns family life, working life or our looks, everything should be done a 120 percent. But such an endeavor has its consequences; stress, depression and frayed nerves. The shiny, clean surface of the porcelain symbolizes in a most delicate way the perfect appearances we are trying to keep up. But if you step closer and scratch the glaze you will quickly find the chaos, insecurity and imperfection hiding underneath.

Louise Hindsgavl graduated from Designskolen, Kolding, DK, in 1999 from the Department of ceramics and glass. She has exhibited widely in Denmark, Europe, the US and Asia since her graduation. She is represented in major collections worldwide including: Minneapolis Institute of Art, Minneapolis, USA, MAD, Museum of Art and Design, New York, USA, Nationalmuseum Stockholm, Sweden; Victoria and Albert Museum London, UK; Designmuseum Denmark; Trapholt, Danmark and ASU Art Museum, Arizona, USA. Furthermore, among others, she has received: The Danish Art Foundation work grant of 3 years (2010), Silkeborg artist grant (2010), The Danish Art Foundation grant (2008, 2006, 2004) and The Biennale Award, The Biennale of Louise HindgavlArts and Craft and Design (2004).

Galleri Christoffer Egelund cordially invites you to the opening of Mediocrity Is No Crime on Friday the 28th of March 2014. The exhibition will run until April the 19th. Opening hours: Monday-Friday 11-18, Saturdays 12-16. For further information and press photographs please contact the gallery at: info@nullchristofferegelund.dk or at +45 33 93 92 00. To view exhibited works click here

“SECRETS” invitation til 60Seconds Festival i København

Åben call invitation til deltagelse i 60Seconds festival.

-Deadline for deltagelse med 60 Seconds film uden lyd, til årets festival er de 21 Februar 2014.

Kom ud og del din “Secret” med resten af København!

www.60sec.org

Biografpremiere på Ai Weiwei – The Fake Case

Lørdag den 30. november er der danske biografpremiere på den danske dokumentarfilm Ai Weiwei – The Fake Case af instruktøren Andreas Johnsen. Filmen kommer til at køre i almindelige biografer rundt omkring i landet lige efter at den har været i hovedkonkurrencen på IDFA (dokumentarfilmens svar på Cannes).

NB: Der er forpremiere den 27. november kl. 19.00 i Grand Teatret. Reserver billetter for din nabo!

Se trailer her

Eller læs om filmen:

Andreas Johnsen har haft eksklusiv adgang til den kinesiske kunstner og systemkritiker Ai Weiwei i tiden efter han blev løsladt efter isolationsfængsel i 81 dage. Ai Weiwei lider af søvnproblemer og hukommelsestab, hans hjem og studie overvåges af 18 kameraer og konstant politiopbud og han er underlagt massive restriktioner. Journalister, kunstverdenen og hans familie gør alle krav på opmærksomhed og oven i det anklager den kinesiske stat ham for gigantisk skattesnyd i millionklassen – en sag han døber ’The Fake Case’ på grund af de åbenlyse falske forudsætninger og anklager. Da lmindelige kinesere kaster pengesedler ind over Ai Weiweis overvågede mure for at støtte ham i skattesagen, giver det Ai Weiwei fornyet tro på at Kina står over for forandring. En forandring han vil kæmpe til det sidste for at se ske.

Og følg med på vores facebookside!

clapclap søger praktikanter med mod på at tage ejerskab i foråret 2014

Teater- og kulturkompagniet clapclap blev grundlagt som en forening i 2011 af instruktør Marie Østerskov som også fungerer som daglig leder i kompagniet. Visionen i clapclap er at skabe professionel scenekunst, hvor form og indhold udfordres.

Se mere om os på: www.clapclap.dk og www.facebook.com/TeaterClapClap

Vi forestiller os at din praktik strækker sig over 16 uger og at du arbejder 16 timer om ugen. Vi arbejder i øjeblikket på 4 forskellige projekter som mangler finansiering for at blive realiseret. Vi søger derfor praktikanter som har mod på at tage ejerskab i foreningen og selvstændigt arbejde med fundraising og kreativ finansiering til ét af de 4 projekter.

Som praktikant vil du arbejde med:

Udarbejdelsen af finansieringsstrategien for det givne projekt du har valgt, i samarbejde med Marie og det frivillige produktionshold.

At udføre finansieringsstrategien for det givne projekt selvstændigt men med rådgivning fra Marie.

At udvælge private fonde og offentlige puljer som kunne være interesserede i det givne projekt.

At tage kontakt til finansieringspartnere og afholde møder med finansieringspartneren, Marie og bestyrelsen.

At skrive fondsansøgninger (på alle projekter forelægger der ansøgninger og budgetter som dog skal gennemarbejdes og målrettes de forskellige fonde og finansieringspartnere)

I samarbejde med andre praktikanter og frivillige, at skabe en stærkere profil for clapclap på facebook.

At skabe dit eget lille, kultur – eller teaterprojekt i clapclaps rammer med det formål at undersøge, undervise eller underholde en målgruppe (f.eks. en udstilling i vores store butiksvinduer, en lille workshop eller et event). Projektet skal følge clapclaps profil og godkendes af Marie. Du vil bruge samlet ca.50 timer på projektet i din praktikperiode.

Du vil afslutningsvis skulle evaluere din praktikperiode med Marie og bestyrelsen.

Vi tilbyder:

Startkursus i fundraising, afhængig af din erfaring (1 dag)
Erfaring med finansiering i kultur/scenekunst sammenhæng
Et dejligt arbejdsmiljø (kontor på Oehlenschlægersgade 13, kld. th 1663 KBH V)
Stort ejerskab
Brancheindblik
Netværk
Videndeling mellem kunstnere og produktion (tværfagligt fokus)
Kreativitet og et åbent mindset
Muligheden for at realisere dit eget lille projekt
Muligheden for at fortsætte i clapclap efter endt praktik som en del af det frivillige produktionshold
Mulighed for lønnet arbejde hvis dit projekt får støtte og du har den fornødne erfaring til at projektlede det.

Hvis du er interesseret, eller vil høre mere, så skriv til os på: marie@nullclapclap.dk

Vi glæder os meget til at høre fra jer!

Mange Hilsner,

clapclap

Arkitektur til tiden. Tvede, Juhl og Hadid – foredrag ved idéhistoriker Carsten Thau

”Det er ved hjælp af det sproglige udtryks rigdom og præcision, at Carsten Thau formår at gøre en forskel på væsentligt og uvæsentligt. På det punkt indgås der ingen kompromiser. Som taler og forelæser har han nærmest fået legendestatus.”

– Peter Michael Hornung, anmelder og kunstredaktør, Politiken

I foredraget sætter idéhistoriker Carsten Thau fokus på kunstmuseet Ordrupgaards tre meget forskellige arkitekturer. Med udgangspunkt i Gotfred Tvedes herskabshjem fra 1918, Finn Juhls hus fra 1942 og Zaha Hadids tilbygning fra 2005 tager Carsten Thau os med på en rejse ind i arkitekturens udtryksformer gennem de sidste hundrede år. Hvad er det for et rum de tre arkitekter er optaget af? Hvilket menneskesyn ligger til grund for arkitekturen og hvad siger arkitekturen om synet på naturen?

Dato: Den 18. september.
Tid: Kl. 17.30
Sted: Ordrupgaard, Vilvordevej 110, 2920 Charlottenlund.
Pris: Gratis, når entréen til museet er betalt.
Tilmelding: På ordrupgaard@nullordrupgaard.dk

Michael Johansson / Lines and Layers / 20.09.-19.10.2013

Michael Johansson, Courtesy Galleri Christoffer Egelund

Galleri Christoffer Egelund proudly presents the exhibition Lines and Layers by the Swedish artist Michael Johansson. Lines and layers unfold in the artist’s strict, yet witty, compositions of everyday objects.

The exhibition is primarily made out of new pieces that can be divided into two series; every piece constructed from objects found at one of the artist’s many visits at flea markets. Foldable Ladder Assembly Kit – II is one example from the series of 1:1 construction kits. A ladder has been taken apart and the parts put together in a metal frame with strings attached. To strengthen the association with construction kits the pieces has been painted entirely orange. The function of the ladder has been removed to transform the object into art. The same can be said of the other type of artworks presented at the exhibit. Here multiple objects have been stacked together as real life Tetris cubes. Boxes are stacked as a sandwich with an intermediate layer of smaller boxes and containers put together in strict order and thereby impede the originally intended function.

What unites the two different types of pieces is the fact that gathering, collecting and assembling is essential to human beings. We have moved from the hunter-gatherer society to a gatherer-assembler society. We gather stuff around us and assemble ourselves, as is shown in condensed form at the exhibition. When the artist is out gathering objects at the flea markets, he follows a very stringent system, namely one where he finds one seemingly unique object and then continues his search until he finds another one just like it. This underlines the issue of authenticity in the age of mass production. However, all hope is not lost in Johansson’s art, because even if the objects are the same, the marks left by their users are unique. This in turn leads to thoughts of a similar issue, namely the fact that a large part of a person’s identity is defined by consumption. That is, you assemble your identity with self-assembly furniture from IKEA.

Johansson’s work continues the tradition of the readymade; the exhibition of mass produced, everyday objects as art, started by the famous urinal (Fountain, 1917) of the Dadaist Marcel Duchamp. But instead of just exhibiting the ladder or the boxes as they are found he uses the readymades at materials as a painter uses paint and canvas.

The Swedish artist achieves to create order in the mess of things surrounding us. Harmony and balance emerges when he makes use of traditional artistic effects such as straight lines, repetition and colour balancing. The artworks are delights for the eye. But it is the symbolic value and storytelling that is at the forefront. Michael Johansson uses the mass produced objects to create unique artworks with several layers of meaning to help us reflect on our everyday surroundings.

Michael Johansson graduated from Trondheim Art Academy in 2003 with studies at Kunsthochschule Berlin-Wei?ensee (2002) og Royal College of Art, Stockholm (2003) and took his master degree at Malmö Art Academy (2003-2005). Since he graduated he has exhibited extensively both in and outside of Sweden including at Malmö Konstmuseum (SE), Galerie Filomena Soares (PT), Moscow Museum of Modern Art (RU), Meessen de Clercq (BE), Vigeland-museet (NO) og Nikolaj Kunsthal (DK). Furthermore, he is represented in several collections among these Malmö Konstmuseum (SE) and has received various grants including Norwegian Government’s 3-year working grant and IASPIS artists in residence in Tokyo.

Galleri Christoffer Egelund cordially invites you to the opening of Michael Johansson: Lines and Layers on Friday the 20th of September from 5-8 pm. The artist will be present during the opening reception. The exhibition will run until October the 19th 2013. Opening hours: Monday-Friday 11-18, Saturdays 12-16. For further information and press photographs please contact the gallery at: info@nullchristofferegelund.dk or at +45 33 93 92 00.

DANSK
Galleri Christoffer Egelund er stolt af at kunne præsentere udstillingen Lines and Layers af den svenske kunstner Michael Johansson (f. 1975). Linjer og lag opstår i kunstnerens stringente og finurlige sammensætning af hjemlige genstande.

Udstillingen består primært af en række nye værker, der deler sig i to forskellige serier; alle konstruerede af hverdagsgenstande fundet på et af kunstnerens utallige besøg på loppemarked. Foldable Ladder Assembly Kit – II er et eksempel på et værk fra serien af 1:1 modelbyggesæt. Michael Johansson har skilt en stige ad for at sætte delene sammen i en metalramme med strenge i mellem, der efterfølgende er malet orange. Værket er ensfarvet for at styrke associationen til modelbyggesæt. Funktionen er frarøvet stigen, der i stedet er forvandlet til kunst. Det samme gælder den anden serie, hvor genstande er stablet sammen i snorlige kuber. Kasser, stablet som en sandwich, med et mellemlag af mindre æsker og beholdere i streng orden, der besværliggør deres oprindelige funktion.

Hvad der samler de to værktyper, er netop dét at samle, noget der er helt essentiel for mennesket: fra jæger-samler samfund til IKEA-samle samfund. Vi samler ting omkring os i vores hjem, som det vises i kondenseret form hos Michael Johansson. Ligesom hans værker fremtræder som stringente systemer har kunstneren også et system for hans indsamling af loppefund. Han tager ud og finder én tilsyneladende unik genstand, hvorefter han søger videre og finder en anden præcis magen til. Dette understreger problematikken omkring autenticitet i masseproduktionens tidsalder. Men alt håb er ikke tabt i Johanssons kunst, for selvom genstandene er ens, bærer de unikke brugsspor og fortæller en historie om det liv, der er blevet levet omkring dem. Og ligesom mennesket sætter spor i genstandene påvirker genstandene mennesket. I et forbrugssamfund som vores er de ting, vi samler omkring os en stor del af vores identitet. Så er det op til den enkelte at tage stilling til, hvorvidt vores bunker af ting er frigørende eller faretruende.

Johanssons arbejde lægger sig i traditionen for brug af hverdagsobjekter som kunst, ”readymaden”, der blev skudt i gang, dadaisten Marcel Duchamps famøse pissoir (Fontæne) fra 1917. Men frem for blot at udstille stigen eller kassen som de er, bruger Michael Johansson ”readymades” som materiale, som en maler ville bruge maling og lærred.

Den svenske kunstner formår at skabe orden i virvaret af ting omkring os. Harmoni og balance opstår, når han benytter sig af traditionelle billedkunstneriske virkemidler som vandrette og lodrette linjer, repetition og farveafstemning. Værkerne fremtræder smukt for øjet. Men det er først og fremmest historiefortælling og symbolværdien, der har betydning. Michael Johansson anvender det masseproducerede til at skabe unikke værker med mange (betydnings)lag, der kan hjælpe os til en refleksion over vores hverdagslige omgivelser.

Michael Johansson er uddannet ved Kunstakademiet i Trondheim (2000-2003) samt Kunsthochschule Berlin-Wei?ensee (2002) og Royal College of Art, Stockholm (2003) og tog han sin kandidat på Malmö Art Academy (2003-2005). Siden sin afgang på Malmö Art Academy har han udstillet hyppigt både inden og uden for Sverige. Af væsentlige udstillingssteder kan nævnes Malmö Konstmuseum (SE), Galerie Filomena Soares (PT), Moscow Museum of Modern Art (RU), Meessen de Clercq (BE), Vigeland-museet (NO) og Nikolaj Kunsthal (DK). Han er desuden repræsenteret i flere kunstsamlinger blandt andet på Malmö Konstmuseum (SE) og har modtaget flere priser og stipendier herunder Norges 3-årige arbejdsstipendium (2010) samt IASPIS artists in residence i Tokyo.

Galleri Christoffer Egelund inviterer dig med ledsager til åbning af udstillingen Michael Johansson: Lines and Layers fredag den 20. september, 2013. Udstillingen løber indtil den lørdag den 19. oktober, 2013. Åbningstider: mandag-fredag kl. 11-18, lørdag kl. 12-16. For yderligere information og pressefotografier kontakt venligst galleriet på: info@nullchristofferegelund.dk eller på +45 33 93 92 00.

ARMANDO MARINO / UNDER THE RED LIGHT / AUGUST 16 – SEPTEMBER 14

Armando Marino, Amsterdam, 2013, Oil on canvas, 185x173 cm. Courtesy Galleri Christoffer Egelund — Armando Marino, Amsterdam, 2013, Oil on canvas, 185×173 cm.

PREVIEW FRIDAY AUGUST 16TH FROM 4-7 PM.
PLEASE JOIN US.

Galleri Christoffer Egelund proudly presents the first exhibition in Danmark by the New York based Cuban artist Armando Marino (b. 1968) “Under The Red Light” displaying new paintings and works on paper.

”I would like to ski in the mountains, I know it’s impossible for me right now in my situation, but at least I can do it in my dreams”
– Nadia, a prostitute. 25 years old.

The present series of paintings for the Galleri Christoffer Egelund have been inspired by Nadia`s dream. Her dreams were the only place, where she could be free, untouchable and happy.
The women trafficking and prostitution are common, real problems in our contemporary society. The media coverage is huge, from films, documentaries, TV series, books, etc.. It happens every day, everywhere and at all times, so it was unavoidable for Armando Marino to approach this issue through his work. He has always worked with openess to social conflicts and contemporary reality. That has been the case in previous exhibitions as ”Tervuren Tales”, in Belgium, which investigated the Belgian colonial past and the plunder of cultural heritage of the Congo and “Recent Paintings from the Year of the Protester”, held in NY, 2012, which centered as its name indicates on the Arab revolutions and recently outraged movements occurred in much of the world.
From the beginning, Marino understood that the approach to the subject would be very difficult due to two factors: the complexity of the problem and the fact that this issue has been addressed through art, especially painting, for a long time and by many artists.

The issue is complex because it encompasses both the women forced into prostitution by poverty, the ones born in that context and therefore their vision of the world is conditioned by that situation, those who have been abducted, sold or enslaved, and the ones that do it for pleasure, to get money fast and easy, even to pay their college. Nevertheless, from the sociological point of view there are many “external” factors (political, religious, cultural and social) that define or mold the issue, making it more complicated and difficult to be solved.

Far from addressing the problem from the victimization, Armando tries to analyze some of its facets. For this reason each painting corresponds to a specific idea or situation, comprising from the trafficking of women (Cargo), suicide (The Red Fence), broken dreams or aspirations (I’m Your Princess), to the use or abuse of drugs (Amsterdam).
Each work is very specific in its subject and pictorial realization, something that is common in most of the recent work.

Prostitution has been the subject of many artists and their paintings throughout art history. The prostitute was the lover, the model, the desired object, the obscene secret. Its images populate hundreds of works in the traditional Western and Eastern painting and many of these paintings have become masterpieces like Manet’s Olympia or The Demoiselles d’Avignon by Picasso.

Armando Marino believes what really defines prostitution in our time is the trafficking of women. Based on this belief his paintings explore the effects of such trafficking for prostitution in contemporary society. Photographs taken from the web, magazines, films or books, inspire all paintings in this exhibition. The compiled images are then transformed and recreated according to a specific idea.The original context disappears to give rise to a new context, symbolic or metaphorical, surreal, painterly and in some cases, oniric, which allows him to deflect the immediate reference from its source, while expanding the semantic universe of the artwork.

Marino’s intention is to confront the viewer with the complexity of this issue. Giving no clear references of place or people, diluting the reality, replacing the white and black for an infinite color spectrum, characteristic of our contemporary visual art, thus helping to erase our preconceptions and prejudices about a subject that deserves our attention, now more than ever.?

Armando Marino (b. 1968 in Cuba) lives and works in New York. He graduated from Jose Varona Pedagogical Institute, Havana 1992 and from Rijksakademie Van Beldeende Kunsten, Amsterdam 2005. He has exhibited widely in Europe, USA, Africa and Cuba. His works are represented in major private and public collection around the world such as Deutsche Bank Collection; Shelley and Donald Rubin Collection, US; 21cMuseum, Kentucky, US; Centro Wifredo Lam, Havana, Cuba; ASU Art Museum, Arizona, US; Arttoteek Den Hagg, Nederland; National Museum of Valjevo, Yugoslavia; University of Virginia Art Museum, US; Marcelino Botín Foundation, Spain; Howard Farber Collection, New York; Colección Berardo Museo de Arte Moderna, Sintra, Portugal etc. Furthermore Marino has been awarded The Pollock-Krasner Foundation Grant in 2011 and The Christopher Reynolds Foundation grant in 2010.

Galleri Christoffer Egelund cordially invites you to the opening of the exhibition “Under The Red Light” on Friday August 16th from 4pm – 7pm. At the opening reception Armando Marino will be present. The show will run until September 14th 2013. Opening hours: Monday – Fiday from 11-18, Saturdays from 12-16. For further information and press photographs, please contact the gallery at: info@nullchristofferegelund.dk or at +45 33 93 92 00.