Fernisering / KNEBEL / Stense Andrea Lind-Valdan

FERNISERING TORSDAG D.16.MARTS KL. 17-19


KNEBEL

Udstilling i Banja Rathnov Galleri og Kunsthandel fra 17. marts til 29. april 2017.

Udstillingen KNEBEL viser primært arbejder fra de seneste to år, alle baseret på maleri i mere eller mindre traditionel form. Formaterne veksler fra de små, intime størrelser til mere udfoldede storskalaværker.

Hvor Stense Andrea Lind-Valdans praksis tidligere havde en legende karakter, består KNEBEL af værker, som har slået sig. Papiret er gammelt, krøllet og skrøbeligt, lærredet egentlig stjålet dynebetræk eller maskuline statussymboler i form af slips, malingen udtørret og krakeleret og ordene aggressive, fortrudte, bønfaldende, tryglende. Værkerne bider og har ryggen mod muren.

Lind-Valdans egen krop indgår i en stor del af værkerne, men ofte vrangvendt, modvilligt, ambivalent i en forhandling om maleriets præmisser og i en udvidelse af kroppens og maleriets traditionelle, kønslige og psykiske territorier. Eller hun taler i tunger: Skriver, for derefter at udslette teksten, markerer sig, men uden kroppen, som om alt der er tilbage nu, er stilhed. Skriget uden for kroppen, i direkte henvendelse, men lydløst og blindt.

Den eksistentielle dimension forgrener sig i Lind-Valdans arbejde ud i overvejelser om trosforhold, magtrelationer, fallossymboler, moderskab, sorg, dødsdrift og kærlighed. Knebelen opsummerer alle disse overvejelser i et enkelt dobbeltbillede, nemlig knebelen som slår lyden frem i klokken og knebelen som blokerer munden og forhindrer ytringer – hvad enten de måtte være nydelsesfulde, smertelige eller begge dele. Værkerne på KNEBEL inviterer således til dialog, men en udfordrende, ikke-behagende dialog, hvor man får som fortjent, alt efter ens egen investering i samtalen med værkerne.

Stense Andrea Lind-Valdan (f. 1985), MFA i 2011 fra Det Kongelige Danske Kunstakademi, hvor hun studerede maleri hos professor Tumi Magnusson på afdelingen for Maleri i det udvidede felt. Hendes arbejde er baseret på en malerisk, formel og autobiografisk tilgang som udvider sig ind i det fotografiske medie, over performance og lyrik. Siden 2012 har hun arbejdet som kunstblogger og har skabt youshouldpopstuff.blogspot.dk. Hun er sammen med kunsthistoriker Rune Gade stifter af Forlaget Sød tøs, hvor hun senest har udgivet fotobogen ”T” samt tidligere ”Gør det ikke” og ”True art remains on the surface”. I februar 2016 udgav Stense Andrea Lind-Valdan sammen med forfatteren Ursula Andkjær Olsen det visuelle digt ”vi rus salve” på forlaget Gyldendal. KNEBEL er hendes 2. større udstilling hos Banja Rathnov Galleri og Kunsthandel.

Læs mere på Stense Andrea Lind-Valdans kunstblog

Find Facebook eventet her / Banja Rathnov Galleri og Kunsthandel

Fernisering: Surfing – Al Masson

På fredag åbner Al Massons store soloudstilling Surfing i Museumsbygningen.
Ved ferniseringen, som finder sted fra kl.17-19, vil der være performance v. Al Masson og kongelig balletdanserinde Astrid Grarup Elbo kl.17.50.

Læs mere om udstillingen her.

 

Fernisering // Helios – Augusta Atla & Nikos Branidis

FullSizeRender

Banja Rathnov Galleri & Kunsthandel præsenterer for første gang en udstilling med den danske kunstner Augusta Atla.
Atla (1979-) er født og opvokset i Danmark, men har i de sidste 12 år boet i London, Venedig, Rom, Milano, Paris og nu i Athen, hvor hun har været foregangskvinde på projektet Maison d’Art Contemporain Athenes (MACA) – et 130 m2 stort pakhus midt i Athens historiske centrum, hvor skiftende kunstnere kan bo, udstille og arbejde.

På udstillingen Helios præsenterer Augusta Atla maleri, collager, fotografi og tekstil/silke- værker fra serierne I AM COLOR og NATURE MORTE.
Fotoværkerne fra serien NATURE MORTE udstilles sammen med værker af den græske kunstner og digter Nikos Branidis (1974-) og der skabes kunstnerisk dialog omkring Europa, Athen og tematikker som livets skrøbelighed.

Titlen Helios, navnet på solguden i den græske mytologi, henviser til, at Atlas værker siden 2010 har kredset om farver, dvs. om lyset som symbol på spirituel livskraft og indre fred. Sit særegne farverige udtryk og formsprog har Atla blandt andet udviklet gennem sine ophold i udlandet, særligt i Paris og Athen – Paris på grund af byens glæde ved farver i alt fra mad til mode og kunst, og Athen på grund af lyset og solens kraft.

Hendes værker handler om fred og den frihed, man føler som barn, når man endnu ikke ved, hvor svært livet kan være som voksen i en verden med krig og had – når man stadig ser marken som strålende og verden som et ualmindeligt smukt mirakel. Men de handler også om det at være kvinde, om kærlighed, sex, frugtbarhed og kvindeliv, og om alle de forventninger, behov og ønsker, der er knyttet til det feminine køn, hvilket er en tematik, der ikke altid er i høj kurs i en mandsdomineret kunstverden. Augusta Atla gør dog sit til, at kunsten også kan blive af, for og til kvinder.

Facebook / Hjemmeside

ANNE VILSBØLL & EMILIE LUNDSTRØM: SHAPE SHIFTING / 06.02 – 07.03 2015

Arcadia2-80x120-2048x750

Galleri Christoffer Egelund is proud to present the energetic conjunction of the two Danish artists Anne Vilsbøll and Emilie Lundstrøm in the exhibition: Shape Shifting.

In the exhibition Shape Shifting the primal power of the bull and the instinctive energy of the deer are united across a range of different media such as photography, painting, sculpture and installation. With references to history, dreams and myths, Emilie Lundstrøm and Anne Vilsbøll question our rational understanding of our planet and existence in a constantly expanding cosmos. Animal motives take center stage in the work of both artists when it comes to communicating the myth of our human reality. In his book Totemism from 1962, the French anthropologist Claude Lévi-Strauss wrote how ”animals are good to think with”, something that can still be found to be true in the compelling visual universes of Vilsbøll and Lundstrøm.

Anne Vilsbøll’s transfiguration of the bull motive balances between figuration and abstraction and communicates the disparate faiths of the bull: as subject of worship in the East and as object of entertainment in the West. The artist makes her own paper for her paintings which lends to them a very special, rough structure. Her intense work with paper production stems from the belief that what is painted on is just as important as what is painted. The saturated colour fields in combination with the texture of the paper give the pieces a rhythmical variation that seems to detach the motives from the canvases and let them influence the surrounding space..

Emilie Lundstrøm investigates the transformation and cycles of the natural world and its confrontations with ‘civilization’ through her photography. Deer are recurrent motives in her investigations. Nature, represented in the deer, reaches into and collides with human culture as is the case when New York City creates a ”task force” to handle the rising numbers of deer on Staten Island. Nature is cherished and protected but must also be kept under control so as not to threaten the borders of civilization. The deer of Lundstrøm’s photographs look up and confront the human presence.

An interesting contrast comes into being when the textured paintings of Vilsbøll meet the photographs of Lundstrøm. But at times the evident contrasts seem to dissolve when Lundstrøm lets some of her photographs appear grained and unfocused – as to symbolise the unstable limits between nature and civilization.

In the exhibited photograph Arcadia a heavy piece of red fabric hangs from a rope as put out to dry. When placed side by side with the colourful bulls of Anne Vilsbøll, this cloth takes on a very specific meaning. Just as the bull is taunted with the red cloth, we are lured into a fantastic universe where recognisable forms and abstraction live side by side and our world is revealed in the relationship between man and animal.

Emilie Lundstrøm is a visual artist, she lives and works in New York. She has a MFA from ICP-Bard University, NYC  in Advanced Photographic Studies, and a BA (Hons) in Fine Art Photography from Glasgow School of Art. She has exhibited her work at Charlottenborg Spring Exhibition 2011, Copenhagen Photography Festival 2011 and 2012, Royal Scottish Academy’s New Contemporaries Award exhibition, Edinburgh 2012, KE – The Fall Exhibtion 2010, Photographs of Hurricane Sandy, Governors Island, NY 2013 and Mono no aware, Brooklyn Light Studioes, NY 2014, etc.

Anne Vilsbøll is an artist, writer and curator specializing in handmade paper as artistic medium. She lives and works in Copenhagen, in St. Jeannet, France and Udaipur, Rajasthan, India. She studied Art History and the French language at Copenhagen University and the University in Aix-en-Provence from 1970–72 and is furthermore a trained teacher from Jonstrup Seminarium 1972-76. In 1982-84 she studied with professor Frank Eckmair,  Paper and Prints, Suny, Buffalo , New York and with  Nancy O’Banion, CCAC, Oakland and through several years she has done her research at paper mills and paper workshops all over the world (1984-2015). Her work has been exhibited at museums and galleries nationally and internationally, and she has undertaken numerous large-scale decoration tasks among others The Ministry of Foreign Affairs Denmark, Skæring Church, Rolex, Chatelain, Odense University Hospital, Hammel Neuro Center, Dong, Nykredit, Olicom, Foss Electric, Den Kgl. Veterinær – og Landbohøjskole, Silkeborg Music– and Theater House samt Viborg Stadion.

Foredrag om Michael Ancher og P.S. Krøyer på ARKEN

kroeyer_anna-ancher-og-marie-kroeyer-paa-skagen-strand_1892-1893

Offentligt foredrag ved udstillingsassistent Mia Tine Bowden Christiansen
Onsdag den 12. november kl. 18.10

Michael Ancher og P.S. Krøyer var gode venner, men også rivaliserende kunstnere. De var ikke blege for at bruge den andens foretrukne motiver og der blev ikke lagt fingre imellem når de skulle give hinandens værker kritik. Når de ikke var sammen, skrev de lange breve til hinanden om alt fra vind og vejr, faglig sparring samt personlige anekdoter. Fortællingen om Ancher og Krøyers relation er en fortælling om konkurrence og kammeratskab og om hvordan dette var med til at forme dem og deres kunst.

Gratis for gæster med entré til museet. Tilmelding ikke nødvendig.
ARKEN Museum for Moderne Kunst, Skovvej 100, 2635 Ishøj

Læs mere om arrangementet

MARIA TORP / THE RIDDLE / 03.10.2014

Maria Torp, The Verger, Courtesy Galleri Christoffer Egelund
MARIA TORP, The Verge, oil on canvas 60×45

[DK]

MARIA TORP: THE RIDDLE / 03.10 – 01.11 2014

Galleri Christoffer Egelund er stolt af at kunne præsentere udstillingen The Riddle af den talentfulde, danske kunstner Maria Torp. The Riddle er hendes tredje soloudstilling i galleriet.

Gådefulde blikke og fortællende ansigter rækker ud mod bekueren fra Maria Torp udtryksfulde skildringer af liv in medias res. Hun skaber betagende, minutiøse portrætbilleder af mere eller mindre fiktive karakterer, hvor hvert et hårstrå, hver en blodsprængning, er omhyggeligt beskrevet med penslen.

Maria Torp arbejder ud fra den kunstneriske stilart fotorealisme, der vandt frem i 1960’ernes og 70’ernes USA som en udstikker af Pop Art. Men hendes arbejdsmetode bringer genren ad nye veje. Maleriernes fotografiske forlæg iscenesættes ud fra løsslupne, idégenererende tegninger, der er første trin i Torps arbejdsproces, hvorved hun indlægger et fabulerende element i fotografiets (formodede) nøgterne virkelighedsgengivelse. Torps tegninger er kendetegnede ved en langt større grad af abstrakion: ideerne tager forsigtigt form i det sorte blæk.

I værket The Verge ser vi en kvindes ansigt i profil, der konfronterer beskueren med et hårdt, penetrerende blik. Farverne i baggrunden virker formildende på hendes ellers hårde fremtoning, og foreslår en mere nuanceret læsning af den portrætterede Værket Restless skildrer en rygvendt kvinde, et velkendt motiv i kunsthistorien særligt kendt fra den tyske romantiske maler Caspar David Friedrich. Hovedpersonen i Torps maleri mimer Friedrichs Frau am Fenster (1822), når hun læner sig frem mod det oplyste vindue. Hvad hun ser derude ligger hen i det uvisse – måske en anden tilværelse eller en håbefuld fremtid? Værket fremviser en udlængsel fra en lejlighed, der er beskidt, vandskadet og kold. Værkets umiddelbare ro skjuler over et uroligt indre.

Maria Torp holder sig ikke slavisk til fotorealismens begrænsninger som virkelighedsskildrende genre. I en serie værker danner aflagte stykker pap fra gamle papkasser lærred for de fotorealistiske portrætter. I et af papværkerne synes en forhutlet, slidt kvinde at føje sig perfekt ind i pappets rå fremtoning. Her og der ser man et håndtag, og kunstnerens udskæringer i pappet bliver en del af det malede billede, når fx det øverste lag er skrællet af pappet for at danne striber i en bluse, eller når bølgepappet står frem som en del af ansigtet. Således fremviser malerierne deres konstruktion og bryder med den illusionisme og strenge finish, der ellers er kendetegnende for fotorealismen.

Farvebrugen er tiltider rå og overbevisende virkelighedsnær og i andre værker holdt i næsten overvirkeligt glossede pasteltoner. Torps fotorealistiske malerier lægger op til nysgerrig søgen efter et menneskets identitet ud fra den fysiske fremtoning, ikke mindst ansigtets. Torp inviterer os til at forsøge at løse gåden: hvem er dette menneske foran mig?

Maria Torp (f. 1975) bor og arbejder i København. Hun tog afgang fra det Kongelige Danske Kunstakademi i 2007 og har tidligere studeret ved London College of Printing. Hun har deltaget i flere gruppeudstillinger på gallerier, museer, kunsthaller, kunstmesser national og international og er netop udstillingsaktuelt på gruppeudstillingen “10.000 timer – hvad er talent ?” på Trapholt. Derudover har hun lavet udsmykningsopgaver til bl.a. FTF, Ferring, Velux Fonden og TrygVesta og udgør ligeledes en tredjedel af kunstnertrioen MAM sammen med kunstnerne Anika Lori og Mette Geisler.

Galleri Christoffer Egelund inviterer dig til fernisering på Maria Torp: The Riddle fredag den 3. oktober kl. 17-20. Kunstneren vil være til stede ved åbningen. Udstillingen vises frem til den 1. november 2014. Åbningstider: mandag-fredag kl. 11-18, lørdag kl. 12-16. For yderligere informationer om udstillingen samt pressefotos, kontakt venligst galleriet på: info@nullegelund.dk eller på +45 33 93 92 00.

[UK]

MARIA TORP: THE RIDDLE / 03.10 – 01.11 2014

Galleri Christoffer Egelund proudly presents the third solo exhibition with the talented Danish artist Maria Torp: The Riddle.

Mysterious stares and tell-tale faces confronts the viewer of Maria Torps photorealistic portrayals of lives in medias res. She creates fascinating, minute portraits of more og less fictive characters, with every strand of hair, every imperfection meticulously accentuated.

Maria Torp works in the tradition of the art form photorealism that gained ground in the USA of the 1960s and 70s as an offshot of Pop Art. But her working method takes the art form in new directions. The photographs, from which the pieces are painted, are staged on the basis of unrestained, idea generating drawings which forms the first step of the artist’s triadic working proces. This proces ensures the paintings a dreamlike element unfamiliar to the photograph’s (assumed) objective description of reality. Torp’s drawings are characterised by greater abstraction: the artistic ideas are formed in the black ink.

In the piece The Verge a woman’s face is seen in profile, confronting the viewer with a firm, penetrating gaze. The colours of the background seems to appease her tough appearance and suggest the possibility of a softer side to the woman portrayed. The artwork Restless depicts a woman with her back to the viewer, a motif not unfamiliar to the history of art, especially associated with the German romantic artist Caspar David Friedrich. The protagonist of Torp’s painting mimics Friedrich’s Frau am Fenster (1822) when she leans towards the illuminated window. What she sees out there remains uncertain – perhaps a different way of life or a dream of a hopeful future? The piece presents a longing to go abroad and away from an appartment that seems dirty, water damaged and cold. The tranquility of the scene conceals an inner restlessness.

Maria Torp does not slavishly follow the limits of photorealism as a reality depicting genre. In a series of artworks she uses cast-off pieces of cardboard boxes as canvases for her photorealistic portraits. One of the pieces shows a ragged woman who seems to fit in perfectly with the raw look of the cardboard. Here and there handles show in the cardboard canvases, and the artist’s carvings in the cardboard becomes part of the motifs as patterns of a shirt or as part of a face. In this way the paintings demonstrates their construction and breaks the illusionism and strict finish normally associated with photorealism.

The colours in the art of Maria Torp are some times rough and convincingly realistic and at other times almost more real than reality with their glossy notes of pastel. They are appeasing to the eye. But the artworks of Torp are so much more than that. The pieces prepare the ground for inquisitive search for a person’s identity or story in the physical appearance, especially that of the face. Torp invites us to try and solve the riddle: who is this person in front of me?

Maria Torp (1975) lives and works in Copenhagen, Danmark. She graduated from the Royal Danish Academy of Fine Arts in 2007 and has previously studied at the London College of Printing. Torp has exhibited her works in several galleries, museums, art institutions, art fairs national and internationel and are currently a part of the group exhibition “10.000 Hours – What is Talent?” at Tropholt Modern Museum of Art. Furthermore she has made commissioned work for corporations such as FTF, Tryg, Ferring and at the Velux Foundation and is co-founder of the artist trio MAM, with the artists Anika Lori and Mette Geisler.

Galleri Christoffer Egelund cordially invites you to the opening of Maria Torp: The Riddle on Friday the 3rd of October from 17-20. The exhibition will run until November the 1st, 2014. Opening hours: Monday – Friday from 11-18, Saturdays from 12-16. For further information and press photographs, please contact the gallery at: info@nullchristofferegelund.dk or at +45 33 93 92 00.

Fernisering // Erik A. Frandsen – Preview

Erik A. Frandsen – Preview
Fotografi og maleri

Fernisering 4. september kl.16.00

Banja Rathnov Galleri & Kunsthandel byder Erik A. Frandsen velkommen.

Banja Rathnov Galleri & Kunsthandel har indledt et samarbejde med den danske kunstner Erik A. Frandsen og viser i den forbindelse en mindre udstilling af Frandsens værker – en større og mere omfattende udstilling planlægges i 2015.

Erik A. Frandsen blev født i Randers i 1957, er autodidakt billedkunstner og bor i dag i København og på Falster.

Frandsen startede for alvor sin kunstneriske karriere i 1980erne, hvor han var en af drivkræfterne bag det kunstneriske fællesskab ‘Værkstedet Værst’ samt en del af bevægelsen ‘Det vilde maleri’.
Siden har Frandsen opnået betydelig anerkendelse indenfor kunstverdenen både nationalt og internationalt, hvorfor flere af landets museer har vist soloudstillinger med hans værker og han løbende tildeles større udsmykningsopgaver, senest Landstingssalen på Christiansborg.

Erik A. Frandsen inspireres af de intime, nære relationer i familien og af hverdagens banaliteter. Selv udtaler Frandsen, at hans værker er: ”Små skæve billeder på den virkelighed vi hele tiden får stoppet i hovedet som en rigtighed fra diverse fjernsynskanaler” – en virkelighed han sætter spørgsmålstegn ved og udfordrer gennem sin kunst.

Frandsen genbruger ofte sine motiver, men udtrykket ændres konstant qua hans evindelige udforskning af forskellige materialer; maleri, mosaik, neon, stål, scagliola m.m. Et gennemgående træk ved alle Frandsens værker er dog, at udgangspunktet er fotografi.

På udstillingen hos Banja Rathnov Galleri & Kunsthandel præsenteres et mindre, men repræsentativt og forskelligartet udvalg af Erik A. Frandsens værker.

Erik A. Frandsen – Preview, 5.-21. september 2014, Banja Rathnov Galleri & Kunsthandel, Museumsbygningen, Kastelsvej 18, 2100 København Ø, tirs-lør 12-16

Facebook

IDA KVETNY / SOLOUDSTILLING / RAM / 21.09.-20.10.2012

Ida Kvetny
Ida Kvetny
The Amphitheatre, 2012
Acrylic, gel-pen, pastel on paper, 76 x 57 cm.

Galleri Christoffer Egelund inviterer dig til fernisering på udstillingen ”RAM” fredag den 21. september i tidsrummet kl. 16-19. Udstillingen åbnes af DR’s kulturvært Adrian Hughes, kendt fra ”Smagsdommerne” og ”Kunstquizzen” kl. 16.05. Ved ferniseringen vil Ida Kvetny være til stede og den unge skandinaviske trio Scarlet Pleasure give koncert. Udstillingen løber frem til 20. oktober.

Galleri Christoffer Egelund kan med stor glæde præsentere udstillingen ”RAM” af den danske kunstner Ida Kvetny (f. 1980). Det er første gang hun udstiller solo i galleriet, og udstillingen indeholder nye malerier, skulpturer, tegninger, relieffer, animation og installation.

Kvetny er kendt for at skildre et enestående og originalt drømmeunivers fyldt med fantasifigurer og stærke farveflader. I de seneste fem år har den talentfulde kunstner eksperimenteret med forskellige konstellationer indenfor skulptur, maleri, animation og tegning for derigennem at undersøge maleriet som medie; dets muligheder og begrænsninger.

Udstillingens titel ”RAM” henviser både til det engelske ord for vædder, og dermed til den klassiske myte om Jason, samt er forkortelsen for ”Random Access Memory”, dvs. betegnelsen for en computers arbejdshukommelse. Jason var den fordrevne kongesøn, som erobrede ”Det gyldne skind” og dermed faderens kongetrone tilbage fra en ondsindet onkel. På udstillingen viser Kvetny nye værker, der tematisk lader sig inspirere af titlen. Temaerne tæller bl.a. mod, magi, heltedyrkelse og rejsen som fænomen.

Vi møder bl.a. en installation med en tre meter høj træskulptur (udført i samarbejde med skulptør Finn Rúne) og en række malerier. Træskulpturen består af enkelte geometriske elementer, en tønde og en krukke, og øverst et vædderhoved. Indholdsmæssigt peger skulpturen tilbage på motiverne i malerierne, som repræsenterer en kompleks og magisk drømmeverden, hvor et vædderhoved i flere tilfælde dukker op. Installationen er et bud på en nutidig, visuel rejse efter et dyreskind i et udefinerbart, magisk rum. Med værkets iscenesættelse undersøger Kvetny samtidigt tiden, formen, rytmen og fortællingen, der gemmer sig i et traditionelt maleri.

I tilknytning til betegnelsen ”Random Access Memory” udforsker Kvetny desuden automattegningen og det spontant abstrakte maleri. Motivisk er udstillingens malerier en eksplosion af former, overlappende flader, psykedeliske mønstre, signalkraftige farver, dyr og ansigter. Værkerne indbyder til en rejse igennem en række visuelle labyrinter i lighed med internettet, der inviterer til et utal af mere eller mindre kontrollerede billedindtryk. Imens myten om Jason blev mundtligt overleveret og nedskrevet, så spørger Kvetny bl.a. her til, hvorvidt det er tilfældigt, hvilke historier der gemmes og overleveres i vores informationsteknologiske samfund.

Ida Kvetny bor og arbejder i København. I 2007 tog hun en Master i Fine Art fra Central Saint Martins College of Art and Design i London. Hendes værker har bl.a. været vist på udstillingen ”Comix!” (2007) på Brandts i Odense og på den store samlerudstilling ”Mad Love” (2007) på Arken Museum for Moderne Kunst. Herudover har hun bl.a. udstillet på Holstebro Kunstmuseum, Charlottenborg Kunsthal, Museum of Art, Seoul National University og i en lang række gallerier. I foråret 2012 blev hun optaget i Kraks Blå Bog, og i den nærmeste fremtid kan man bl.a. opleve hendes værker hos Torrance Art Museum, Los Angeles og hos Munch Gallery i New York.

Åbningstider: mandag–fredag 11-18, lørdage fra 12-16. For mere information og pressefotografier, kontakt venligst galleriet på: info@nullchristofferegelund.dk eller på +45 33 93 92 00.
Se alle de udstillede værker på www.christofferegelund.dk

ENGLISH

Galleri Christoffer Egelund invites you to the opening of the exhibition ”RAM” on Friday September 21st from 4pm – 7pm. The Exhibition will be opened by DR’s Cultural host Adrian Hughes, known from “Smagsdommerne and Kunstquizzen” at 4 pm. At the opening Ida Kvetny will be present and the young Scandinavian trio Scarlet Pleasure give a concert. The exhibition will run until October 20th.

Galleri Christoffer Egelund proudly present the exhibition “RAM” by the Danish artist Ida Kvetny (b. 1980). It is her first solo show at the gallery and the exhibition includes new paintings, sculptures, drawings, reliefs, animation and installation.

Kvetny is known for her unique and original dreamlike universe filled with fantasy figures and strong multicolored surfaces. In the past five years, the talented artist has experimented with different constellations of sculptures, paintings, animation and drawings in order to explore the painting as a medium; it’s possibilities and limitations.

The exhibition title “RAM” refers to the classical myth of Jason and the Golden Fleece and is also short for “Random Access Memory”; a form of computer data storage. Jason was a displaced prince, who captured the Golden Fleece and thus conquered his father’s throne back from his malicious uncle. At the exhibition Kvetny shows new works thematically inspired by the title. Among others the themes include courage, magic, hero worship and the journey as a phenomenon.

At the exhibition Kvetny shows an installation consisting of a three-meter high wooden sculpture (in collaboration with sculptor Finn Rúne) and a series of paintings. The sculpture is build of simple geometric elements; a barrel, a jar, and the head of a ram on the top. In terms of content the sculpture points to the motifs in her paintings, which represent a complex and magical dreamlike world, where a ram is often included. The installation suggests a contemporary visual journey seeking an animal skin in an indefinable, magical space. By the presentation of this work Kvetny also explores the shape, rhythm and the narrative, which a traditional painting stands for.

In connection with the word “Random Access Memory”, Kvetny also explores the automatic drawing and the abstract painting. The paintings are an explosion of shapes, surfaces that overlap, psychedelic patterns, vibrant colors, animals and faces. The works invite you on a journey through a series of visual mazes, like the Internet, which result in a multitude of more or less controlled imagery. While the myth of Jason was orally passed on and then written down, Kvetny here ask whether the stories, that get stored and transmitted in today’s information age is randomly selected.

Ida Kvetny lives and works in Copenhagen. In 2007 she took a Master in Fine Art from Central Saint Martins College of Art and Design in London. Her works have been shown at the exhibition “Comix!” (2007) at Brandts in Odense and at the major collectors show “Mad Love” (2007) at Arken Museum of Modern Art. In addition, she has exhibited at Holstebro Kunstmuseum, Charlottenborg Kunsthal, Museum of Art, Seoul National University and in numerous galleries. Spring 2012 she was included in “Kraks Blå bog”, and in the near future you can see her works at Torrance Art Museum, Los Angeles and at Munch Gallery in New York.

Opening hours: Monday – Friday from 11-18, Saturdays from 12-16. For further information and press photographs, please contact the gallery at: info@nullchristofferegelund.dk or at +45 33 93 92 00.
All the exhibited works can be viewed at www.christofferegelund.dk

Afgang 2012

For andet år i træk har Nikolaj Kunsthal den store fornøjelse at præsentere udstillingen AFGANG.

Seks års studier kulminerer med denne årligt tilbagevendende begivenhed: Det Kgl. Danske Kunstakademis Billedskolers afgangsudstilling.

Udstillingen giver et flot billede af, hvad der rører sig netop nu inden for den yngste del af samtidskunsten – fra installationer, video, maleri, skulptur, tegning over lydkunst og video til performance og tekstil. En del af kunstnerne har ladet sig inspirere af Nikolaj Kunsthals bygning og skaber stedsspecifikke værker, som går i dialog med kunsthallens arkitektur, mens andre lader udstillingen fortsætte ud i byen, når Skolen for håb og overskridelse byder på arrangementer dér, hvor aktivistiske projekter har fundet sted.

Malene Bang, Lasse Barkfors, Lise Borup, Mette Moeslund Broberg, Ulla Bech-Bruun, Astrid Marie Christian- sen, Mia Isabel Edelgart, Lars Arnfred Fynboe, Simen Joachim Helsvig, Eva Hjorth, Deirdre Johanna Humphrys, Johannes Trägårdh Jensen, Jonas Jensen, Andreas Johansen, Katja Løgstrup-Hansen, Aliaksandr Marchuk, Christian Mastrup, Heine Thorhauge Mathiasen, Eva Maria Middleton, Maria Meinild, Siggi Oddsson, Ninna Poulsen, Thomas Rathleff, Johanne Dybdal Sigvardsen, Inger-Maren Slagsvold, Astrid Myntekær og Tine Tvergaard.

FERNISERING 1. JUNI KL. 17-20
Kom og mød de nyudklækkede kunstnere til åbningsfest med bl.a. Orgelperformance.

Afgang 2012 flyer

YUICHI HIRAKO (JP) | DAVID DELLAGI (DK) | 20.01.-25.02.2012

Yuichi Hirako Memories of My Garden / Ship
Yuichi Hirako, Sleeping in the Pine Forest, 2011, Acrylic on canvas, 130x162 cm.

Main Gallery: Yuichi Hirako, Sleeping In the Pine Forest.
Project Room: David Dellagi: Insanitorium
January 20 – February 25 2012

Opening reception
Friday January 20th from 4-7 pm.

It is with great pleasure that Galleri Christoffer Egelund presents ”Sleeping In the Pine Forest”, the gallery’s first solo show with the Japanese Artist Yuichi Hirako. The young artist presents new paintings and sculptures, which brings us into a colourful, dramatic and dreamlike universe. ”Insanitorium” is the name of another exhibition shown in the gallery’s project room. In this show Danish artist David Dellagi presents sculptures and collages where themes like horror, naivety and black humor go hand in hand.

Yuichi Hirako is interested in the human relationship with nature and the forest as a special place. Although many of us surround ourselves with plants every day, eg. house plants and in parks, there is an apparent division between us and the other living beings – that is the plants. Some Japanese see the forest as a sacred place. On the contrary in Western folklore, the forest is often portrayed as being uncivilized and barbaric.

Hirako strives in his work to break the boundaries between humans and nature. His paintings and sculptures depict people with plant-like heads placed in forests. In his largest painting “Memories of My Garden/Lake Side” plants, people, houses and a car are weaved helplessly together. In other expressive paintings we encounter a green forest-creature, which gives fuel to our experience of fantasy and adventure. Whether the forest is a good or unpleasant place is entirely up to the viewer. In other words; in the work of Hirako nature and culture collide, and we are left in a primitive state.

Yuichi Hirako (b. 1982 in Okayama, Japan) graduated in 2005 from Wimbledon College of Art in London. He lives and works in Tokyo, and he has participated in several group- and solo shows. To name a few the artist has exhibited at The Museum of Modern Art, Gunma, Museum of Contemporary Art in Tokyo, Aichi Arts Center, The Museum of Kyoto, etc. In 2012 the artist will present solo shows at INAX Gallery, GALLERY MoMo Ryogoku and Tokyo Wonder Site Art Cafe kurage in Tokyo.

In the Project Room David Dellagi presents spectacular works where fear, struggle, innocence and sexual frustration are humorously presented. His motifs seem to express a certain state of mind in a very direct and urgent manner, and his works clearly reveal an interest in surrealism as well as cartooning. Among Dellagi´s exhibited works is the piece “Telephone”, a sculpture of a female torso turned into an old fashioned telephone. The woman seems to shout: “How did I end up here?” Dellagi´s sculptures are made from papier maché, an unpretentious material which is a fine contrast to the horrid and naïve. Also shown is a collection of Dellagi´s collages. These present a more minimalist approach mixed with fantasy, humor, insanity and the anatomic grotesque.

David Dellagi (b. 1970) works with drawing, collage, sculpture, video and animation. In addition to numerous exhibitions at home, Dellagi´s works has also been shown in Los Angeles and Stockholm etc. In 2012 Dellagi has a solo show in Mexico City, and his works will be presenting by Space of Drawing at Art Herning in the end of January. Dellagi lives and works in Copenhagen.

Galleri Christoffer Egelund invites You to the opening of ”Sleeping In the Pine Forest” and ”Insanitorium” Friday January the 20th from 4pm to 7pm. Yuichi Hirako and David Dellagi will be present, and the exhibitions runs until February the 25th. Opening hours: Monday – Friday 11am to 6pm, Saturdays 12pm – 4pm. For further information and press photographs, please contact the gallery: info@nullegelund.dk or call +45 33 93 92 00. Please also visit our website www.gce.nu

Afterparty at Byens Kro, Møntergade 8, Cph. K. from 20.00-?

———–

Galleri Christoffer Egelund kan med stor fornøjelse præsentere soloudstillingen ”Sleeping In the Pine Forest” med den unge japanske kunstner Yuichi Hirako. I sin første udstilling i Danmark viser kunstner nye malerier og skulpturer, som tager os med ind i et farverigt, opsigtsvækkende og drømmelignende univers. Sideløbende i galleriets projektrum vises soloudstillingen ”Insanitorium”. Her kan man opleve nye skulpturer og collager af den danske kunstner David Dellagi, hvor gru, naivitet og sort humor går hånd i hånd.

Yuichi Hirako er optaget af menneskets relation til planter samt til skoven som et særligt sted. Selv om mange af os omgiver os med planter til dagligt, fx. i form af stueplanter og ved brug af parker, så er der en klar adskillelse mellem os og de øvrige levende væsner, dvs. planterne. Hos en række japanere bliver skoven endvidere opfattet som et helligt sted. Denne forestilling står i klar modsætning til den vestlige kulturs sagn og fortællinger, hvor skoven ofte skildres som en uciviliseret og barbarisk lokalitet.

Hirako opløser i sine malerier og skulpturer den klare adskillelse mellem mennesket og naturens planter. I kunstnerens malerier og skulpturer møder vi personer med plantelignende hoveder, som har taget plads ude i skovens dyb. I udstillingens største maleri ”Memories of My Garden/Lake Side” er planter, mennesker, huse og en bil flettet hjælpeløst ind i hinanden. I andre af kunstnerens ekspressive malerier møder vi et grønt skovuhyre, og fantasien og det eventyrlige får således frit løb. Om skoven er et godt eller ubehageligt sted, lader Hirako være op til betragteren. Hos Hirako støder natur og kultur med andre ord frontalt sammen, og en urtilstand synes at herske.

Yuichi Hirako (f. 1982 i Okayama, Japan) blev i 2005 uddannet fra Wimbledon College of Art i London. Han bor og arbejder i dag i Tokyo, og har en lang række gruppe- og soloudstillinger bag sig. Kunstneren har bl.a. udstillet på The Museum of Modern Art i Gunma, Museum of Contemporary Art i Tokyo, Aichi Arts Center, The Museum of Kyoto m.fl. I 2012 har Hirako soloudstillinger hos gallerierne INAX Gallery, GALLERY MoMo Ryogoku og Tokyo Wonder Site Art Cafe kurage i Tokyo.

I projektrummet præsenteres David Dellagis opsigtsvækkende værker, hvor frygt, personlige kampe, uskyld og seksuelle frustrationer fremstilles ved hjælp af et humoristisk formsprog. Dellagis persongalleri synes at udtrykke en bestemt sindstilstand i en meget direkte og påtrængende form, og hans værker har tydelige referencer til tegneseriens univers og surrealismens billedsprog. Blandt Dellagis udstillede værker møder vi bl.a. skulpturen ”Telephone”, hvor en kvindelige torso er forvandlet til et gammeldags telefonrør. Kvinden synes at råbe: ”Hvordan endte jeg lige her?” Dellagis skulpturer er lavet i papmaché, et uhøjtideligt materiale, som står i fin kontrast til det ofte makabre indhold. I kunstnerens collager præsenteres vi endvidere for små historier, hvor fantasi, humor, sindsforvirring og det anatomisk uperfekte individ hersker.

David Dellagi (f. 1970) arbejder med tegning, collage, skulptur, video og animation. Udover talrige udstillinger herhjemme har man bl.a. kunnet opleve hans værker i Los Angeles og i Stockholm. I 2012 har Dellagi bl.a. en soloudstilling i Mexico City, og hans værker præsenteres af udstillingsstedet Space of Drawings på Art Herning i slutningen af januar måned. Dellagi bor og arbejder i København.

Galleri Christoffer Egelund inviterer til fernisering på udstillingerne ”Sleeping In the Pine Forest” og ”Insanitorium” fredag den 20. januar i tidsrummet kl. 16-19. Yuichi Hirako og David Dellagi vil være tilstede ved ferniseringen. Udstillingerne løber frem til 25. februar. Åbningstider: mandag – fredag 11-18, lørdage fra 12-16. For mere information og pressefotografier, kontakt venligst galleriet på: info@nullegelund.dk eller på +45 33 93 92 00. Se alle de udstillede værker på www.gce.nu

Afterparty på Byens Kro, Møntergade 8, Kbh. K. fra kl. 20.00-?